Почему м.ю. лермонтов называет печорина героем своего времени и герой ли он?
Ответы
Объяснение:
Классицизм – одно из главных направлений в искусстве XVII–XVII веков.
История классицизма началась во Франции в конце XVI века, а закончилась в XIX веке.
Тогда ему на смену пришли сентиментализм и романтизм.
Само слово «классицизм» происходит от латинского classicus – образцовый. Интересно, что придумал этот термин итальянский критик Висконти только в 1818 году. Поначалу классицизмом поэты-романтики насмешливо называли устаревшую эстэтику в своих спорах об искусстве.
XVII век во Франции – это время расцвета театрального искусства, появления новых философских течений, развития точных наук и укрепления абсолютной монархии.
Как же всё это повлияло на искусство?
В эпоху абсолютной монархии человек считается слугой государства, для него самое важное – долг перед обществом. Поэтому главным конфликтом классицизма становится борьба долга и чувства, разума и страстей. При этом долг всегда побеждает.
Бурное развитие точных наук в семнадцатом веке повлияло и на философию. Например, математик и философ Рене Декарт говорил:
«Бог сотворил мир и законы природы, а далее Вселенная действует как самостоятельный механизм».
Принципы математики переносились и в творчество. Искусство должно стать стройной системой, которая работает по строгим законам и подчиняется логике.
Образцом для классицизма стала античность.
Французские классики изучали устройство античного театра и философию Аристотеля, чтобы построить каноны нового искусства. Они взяли идею Аристотеля о том, что творчество – это подражание природе. Но подражать следовало не дикой природе, а идеальной. В классицизме мир показывается таким, каким он должен быть.
Основоположниками классицизма в литературе считают французских драматургов Мольера, Корнеля и Расина.
В 1674 году поэт Никола Буало написал поэму-трактат «Поэтическое искусство». В ней Буало изложил основные принципы классицизма.
Кроме того, он хвалил и критиковал поэтов-современников и давал советы, как следует писать:
«Какой ни взять сюжет, высокий или забавный,
Смысл должен быть всегда в согласьи с рифмой плавной.
Напрасно кажется, что с ним в войне она:
Ведь рифма лишь раба: послушной быть должна».
В классицизме принято делить жанры на «низкие» и «высокие».
Произведения «высоких» жанров рассказывали о крупных исторических событиях. Часто сюжет брали из греческой мифологии или Библии. Героями были монархи, знаменитые полководцы, мифические личности.
Тема «высоких жанров» – гражданский долг и служение государству. В таких произведениях запрещалось использовать разговорную речь, писать их следовало только высоким стилем.
К «высоким» жанрам относятся трагедия, эпопея, ода.
«Низкие жанры» описывали жизнь низшего дворянства, мещан, слуг и крестьян. И если «высокие жанры» прославляли монархию и идею гражданского служения, то в «низких» высмеивались человеческие недостатки.
К «низким» жанрам относятся комедия, сатира, басня.
Разделение на «низкие» и «высокие» жанры было очень строгим, смешанных жанров в классицизме существовать не могло. Но при этом для знаменитого французского драматурга Жана Батиста Мольера сделали исключение: его лучшие комедии приписали к «высоким» жанрам.
Развитие театрального искусства в эпоху классицизма повлияло на литературу.
Драматурги писали пьесы для театра, поэтому строго соблюдался ещё один закон античного театра – закон трёх единств.
Единство времени ограничивало длительность пьесы – действие должно продолжаться не более суток.
Единство места запрещало драматургу переносить действие в разные точки, всё должно было происходить в одном месте.
Единство действия подразумевало одну сюжетную линию. При этом все герои связаны с основной сюжетной линией. Действующих лиц должно быть не больше десятка, чтобы не запутать зрителя и не отвлекать его от главной идеи пьесы.
К этим трём единствам можно добавить и четвёртое – единство характера персонажа. Это единство тоже пришло из античного театра. Вот что советует Буало:
«Герою своему искусно сохраните
Черты характера среди любых событий.
Но строгой логики от вас в театре ждут;
В нём властвует закон, взыскательный и жёсткий.
Все герои в произведениях эпохи классицизма жёстко разделены на положительных и отрицательных. Их характер не меняется, а убеждения остаются прежними.
Как и в античности, драматурги использовали героев-масок: у каждого персонажа была основная черта, которой он подчинялся.
Например, А. С. Пушкин писал: «У Мольера скупой скуп и только; у Шекспира Шейлок скуп, сметлив, мстителен, чадолюбив, остроумен».
Персонаж классицизма – не личность, а маска.
исповедь его души, в которой звучит какая- то особенная горечь. Это своеобразное признание в любви к родине, философское осмысление итогов жизни,
своего поэтического творчества и мучительное размышление над одним из вечных вопросов: Кому на Руси жить хорошо? Не случайно, видимо, Есенин в начале произведения даёт реалистическую пейзажную миниатюру, построенную при олицетворений и ёмких эпитетов:
Спит ковыль. Равнина дорогая.
И свинцовой тяжести полынь.
Свет луны таинственный и длинный,
Плачут вербы, шепчут тополя .
Для Есенина природа вечная красота и вечная гармония мира. Природа врачует людские души и придаёт смысл человеческого существования.
Образ природы в стихотворении тесно переплетается с образом родины,
многозначным по своему наполнению, включающим различные смысловые оттенки.
Есенин никогда не разлюбит отчие поля, он навсегда останится поэтом золотой бревенчатой избы . В этой литературной концепции образ избы символизирует основу мироздания, носит сквозной характер и поэтому очень важен для понимания общей идеи произведения.
В основе стихотворения лежит глубокий внутренний конфликт, жестокое противоречие между любовью к старой избенкой Руси и неизбежным наступлением нови - города, машин, социализма. Это противоречие определяет особенности художественной системы позднего Есенина, в поэтическом мире которого наступает беспокойство, разочарование, чувство ненужности, потерянности, безысходности.
Эта гамма переживаний буквально переполняет лирического героя, выплёскиваясь в риторический вопрос, проникнутый сердечной болью:
Радуясь, свирепствуя и мучаясь,
Хорошо живётся на Руси?
Для полного понимания идеи произведения наиболее важна последняя композиционная часть, в которой достигает своего апогея напряжённость, оформленная поэтом в тихую, но непоколебимую
Дайте мне на родине любимой,
Всё любя, спокойно умереть!
Какой конкретный и страшный образ, трудно переводимый на язык прозы ( всё любить - спокойно умереть ) и открыто выражающий полную дисгармонию мира.
Здесь мотив смерти, самый устойчивый в есенинской поэзии, звучит с новой трагической силой. Лирическому герою Есенина не вылечит душу слиянием с природой на любимой родине . Его попытки измениться самому, при к жизни в другом мире безрезультатны, остаётся лишь одно умереть.
До глубины души поражает нас гениальное произведение судьбы, милая родина, умиротворяет земная красота природы, волнует мучительное размышление о смерти.
Подлинным реалистом, глубоким психологом, мастером слова и интонации предстаёт перед нами художник. И пока живёт земля, Есенину поэту суждено жить тоже.
Ответить на вопрос
Поделитесь своими знаниями, ответьте на вопрос:
Но мне кажется, что нельзя обвинять только самого Печорина в том, что он “сделался нравственным калекой”. В этом виновато также общество, в котором нет достойного применения лучшим качествам героя. То самое общество, которое мешало Онегину и Ленскому, которое ненавидело Чацкого, теперь Печорина. Так Печорин выучился ненавидеть, лгать, стал скрытен, он “хоронил лучшие свои чувства в глубине сердца, там они и умерли”.
Таким образом, можно сказать, что типичный молодой человек 30-х годов XIX столетия, с одной стороны, не лишен ума и талантов, в его душе таятся “силы необъятные”, а с другой стороны — это эгоист, разбивающий сердца и разрушающий жизни. Печорин — это и “злой гений” и в то же время жертва общества.
В дневнике Печорина мы читаем: “...Первое мое удовольствие подчинять моей воле все, что меня окружает; возбуждать к себе чувство любви, преданности и страха — не есть ли первый признак и величайшее торжество власти”. Его внимание к женщинам, желание добиться их любви — это потребность его честолюбия, жажда подчинить своей воле окружающих.
Об этом говорит его любовь к Вере. Ведь между Печориным и Верой стояла преграда — Вера была замужем, и это привлекало Печорина, который стремился добиться своего вопреки любым обстоятельствам.
Но любовь Печорина к Вере все-таки больше, чем просто интрига. Когда он получил ее последнее письмо, то “как безумный, выскочил на крыльцо, прыгнул на своего коня и пустился во весь дух догонять ее”. Веру он не догнал, оставшись в степи без лошади, которая упала под ним. Тогда он упал на мокрую траву и заплакал, пишет Лермонтов. Вера была единственной женщиной, которую Печорин любил по-настоящему. В то же время лишь Вера знала и любила Печорина не вымышленного, а реального, со всеми его достоинствами и недостатками. “Я бы тебя должна ненавидеть... Ты ничего не дал мне, кроме страданий”, — говорит она Печорину. Но, как мы знаем, такова была участь большинства людей, с которыми близко сходился Печорин...
В минуту грусти Печорин рассуждает: “Зачем я жил, для какой цели я родился? А, верно, она существовала, и, верно, было мне назначение высокое, потому, что я чувствую в душе моей силы необъятные. Но я не угадал своего назначения, я увлекся приманками страстей пустых и неблагородных”. И в самом деле, было ли у Печорина “назначение высокое”? Я думаю, что, родись этот человек в другое время, он смог бы реализовать свои таланты на пользу себе и окружающим. Не случайно он занимает одно из центральных мест в галерее литературных образов “лишних” людей. С другой стороны, Печорин — это герой своего времени, потому что в трагедии его жизни отразилась трагедия целого поколения молодых талантливых людей, не нашедших себе достойного применения.