Подготовить сообщение по теме "Богатырские образы в музыке". Привести примеры произведений.

Совершенно особое место в творчестве шуберта занимает жанр фортепианной сонаты. начиная с 1815 года, работа композитора в этой области протекала непрерывно до самого последнего года его жизни, когда были созданы 3 большие сонаты. в большинстве шубертовских сонат раскрывается лирическое содержание. но это не обобщенная лирика венских классиков. подобно другим романтикам, шуберт индивидуализирует лирические образы, насыщает их тонким психологизмом. его герой – поэт и мечтатель с богатым и сложным внутренним миром, с частой сменой настроений. шубертовская соната стоит особняком как по отношению к большинству сонат бетховена, так и в сравнении с произведениями более поздних романтиков. это соната лирико-жанровая, с повествовательным характером развития и песенным тематизмом. сонатный жанр приобретает характерные для творчества шуберта особенности: если в классической сонате традиционным был контраст активной главной темы с более лирической побочной. у шуберта эти темы значительно сближаются, не столько контрастируя, сколько взаимодополняя друг друга. главная тема тоже становится лирической, более мягкой, песенно закругленной и неторопливой (аllegro moderato, moderato); в результате иным становится и соотношение частей сонатного цикла. вместо традиционного классического контраста быстрой, энергичной 1-й части и медленной лирической 2-й, дается сочетание двух лирических частей в умеренном движении; в сонатных разработках господствует не борьба конфликтных начал с мотивным развитием отдельных элементов тем, а прием варьирования. основные темы экспозиции в разработках сохраняют свою цельность, редко дробятся на отдельные мотивы. характерна тональная устойчивость довольно крупных разделов; сонатные репризы у шуберта редко содержат значительные изменения; оригинальная особенность шубертовских менуэтов и скерцо – их одинаковая близость к вальсу. финалы сонат обычно носят лирический или лирико-жанровый характер; порядок следования частей в сонатах шуберта более традиционен, чем у бетховена. на втором месте всегда медленная часть, за которой следуют менуэт или скерцо (в 4х-частных циклах) и затем финал. в отличие от бетховена, шуберт никогда не писал 2х-частных сонат. ярким примером шубертовской сонаты является соната a-dur ор.120, возникшая, вероятно, летом 1819 года, когда шуберт вместе с фоглем совершил поездку в верхнюю австрию. это одно из наиболее жизнерадостных, поэтичных сочинений композитора: во всех частях господствует светлое настроение..

Рококо́ (фр. rococo от rocaille «скальный») — термин, вошедший в употребление в середине XVIII века; его использовали с негативным оттенком. В XIX в. стиль рококо правомерно считали продолжением стиля барокко или даже «высшей стадией искусства барокко». Между тем предыдущий стиль Людовика XIV, так называемый Большой стиль (вторая половина XVII в.), в своей основе был классицистическим с небольшим включением барочных элементов. В отличие от Италии стиль барокко во Франции не получил значительного распространения. Рококо также следует отличать от переходного периода Регентства, времени правления регента, герцога Филиппа Орлеанского (1715—1722). Во французской историографии стиль Регентства и стиль рококо рассматривают раздельно[1]. Наиболее известным художником периода Регентства во Франции является Антуан Ватто, творчество которого служит прологом к стилю рококо[2].

В переходный период Регентства после безумств Большого стиля Людовика XIV, скончавшегося в 1715 г., искусство переместилось от дворцовых празднеств Версаля в камерные салоны и гостиные парижской знати. Второй причиной камерности «стиля рокайля» является происхождение основного декоративного элемента от растительного завитка; этимологически термин «скальный» также связан с декором гротов и парковых павильонов Версаля и Марли. В отличие от барочных картушей, волют, раскреповок антаблемента, завиток рокайля носит атектоничный и деструктивный характер. Отсюда слабая распространённость стиля рококо в архитектуре (за исключением интерьеров и последующих стилевых модификаций барочно-рокайльного стиля середины XVIII в. искусстве Баварии, Саксонии и России в лице Б. Ф. Растрелли). Рококо — оригинальное французское изобретение, выпадающие из основной линии эволюции больших постренессансных архитектурных стилей: классицизм — барокко — неоклассицизм. Ещё одна особенность заключается в том, что даже в Париже стиль рококо формируется в 1740-х гг. и далее развивается параллельно с нарождающимся неоклассицизмом позднего «стиля Людовика XV» и периодом правления Людовика XVI (1774—1792). В эпоху Просвещения отношение к нему было весьма критичное. Так, Д. Дидро называл этот стиль «временем испорченного вкуса»[3].

Основными элементами стиля помимо рокайля являются традиционный картуш (франко-фламандский вариант названия: картель, немецкий: рольверк), фламандские кнорпель («хрящ») и ормушль («ушная раковина»). Один из наиболее ранних случаев употребления терминов «рокайль и картель» — увраж Мондона-сына «Третья книга рокайльных и картельных форм» 1736 г. (иллюстрации см. ниже). Также находим их в письме (7 апреля 1770 г.) мастера Ротье (изготавливавшего для Екатерины II в конце 1760-х гг. серебряный сервиз, позднее известный как «Орловский сервиз», сохранившиеся предметы хранятся в Государственном Эрмитаже). Это письмо также отразило смену вкусов, происшедшую на рубеже 1760-70-х гг.: «…поскольку Е. И. В. желает, чтобы отказались от всех видов фигур и картелей, мы приложим все усилия, чтобы заменить их античными украшениями и следуя лучшему вкусу, согласно пожеланиям…» (цит. по документу из РГИА).

Несмотря на популярность новых «античных форм», вошедших в моду в конце 1750-х гг. (это направление получило наименование «греческого вкуса»; предметы этого стиля часто неверно принимают за «позднее рококо»), так называемый рококо сохранял свои позиции вплоть до самого конца столетия. Во Франции период рококо назывался временем Купидона и Венеры[4].

В 1960-70-е годы в отечественном искусствознании была распространена концепция рококо как результата измельчания барокко: «Вступая в фазу рококо, эмблематика всё больше утрачивает самостоятельное значение, и становится частью общего декоративного убранства, наряду с нимфами, наядами, рогами изобилия, дельфинами и тритонами […] „Амуры божества любви“ превращаются в — putti — рококо»[5].