Исследовательский проект по теме джаз 1)цель 2) раскрыть цель 3) вывод

Цель проекта

Познакомить учащихся с новым для них видом музыкального искусства, его особенностями, историей создания, джазовыми разновидностями и музыкантами.

Расширить музыкальный кругозора учащихся.

Узнать, насколько востребован и актуален джаз в наши дни.

Что участие в проекте даст его участникам

Формирование интереса и положительной мотивации к изучению музыкальной культуры;

раскрытие и развитие творческого потенциала, расширение общего кругозора;

умение работать с информационными источниками;

овладение теоретическими и практическими знаниями организации проектной деятельности;

умение работать в команде.

Как будут оцениваться и обсуждаться:

Результаты своей работы учащиеся представят на итоговой учебной конференции "Ах, этот Джаз".

График оценивания :

ДО НАЧАЛА РАБОТЫ

1 Вводный тест

2 Входная анкета

В ПРОЦЕССЕ ПРОЕКТА

Тесты промежуточного оценивания

ИТОГОВЫЙ КОНТРОЛЬ

1 Итоговый тест

2 Анализ и оценка работы группы по критериям

3 Анализ и оценка готового продукта работы групп (презентация, музыкальная викторина, кроссворд, оформление стенда).

4 Выходная анкета

ход проекта

Этап 1. (1 урок)Подготовительный.

Беседа о значении использования проектной технологии. Эвристическая беседа в ходе демонстрации вводной презентации учителя,тестирование по теме,анкетирование,распределение по группам, обсуждение общего плана проекта, планирование работы над проектом в группах.

Этап 2(3 недели - 3 урока)Реализация проекта. Поиск информации из различных источников, ее критическое осмысление и анализ.

Беседа об особенностях подготовки комплексной презентации.

Создание творческих работ (презентаций, кроссворда, музыкальной викторины,стенда), их самооценивание и корректировка.

Оценка и корректировка планов работы в группах, заполнение листов продвижения по проекту учителем.

Тесты промежуточного оценивания.

Этап 4.(1 урок).Итоговый.

Итоговый тест.

Анкетирование.

Защита проекта на открытом уроке в форме учебной научно-практической конференции.

Самооценка.

Рефлексия.

результаты проекта

В процессе работы учащиеся пополнят свой музыкальный багаж, научатся разбираться в различных музыкальных стилях и направлениях,успешно ориентироваться в информационном пространстве, что позволит им в большей мере раскрыть свой творческий потенциал.

Вопросы, направляющие проектОсновополагающий вопрос

Что такое джаз?

Проблемные вопросы

1) Джаз -это классика или современность?

2) В чем актуальность джаза сегодня?

3) Почему в советской России джаз подвергался критике?

Учебные вопросы

1) Истоки джаза?

2) Классические и современные джазовые стили?

3) Классический и современный инструментальный состав джаз-бэнда?

4) Что несет джаз сегодня?

5) Кого из современных джазовых музыкантов вы знаете?

6) Почему в советской России появился "новый джаз"?

7) Что такое "симфоджаз"?

Что нужно уметь и знать, чтобы достичь целей

Знать:

1) Цели проекта

2) Основные исследовательские методы

3) График работы над проектом

4) Требования к оформлению презентации и пояснительной записки

5) Критерии оценки выполненных проектов

6) Критерии оценивания защиты выполненного проекта.

Уметь:

1) Работать в группе

2) Находить необходимую информацию

3) Вводить и редактировать информацию (текстовую, графическую);

4) Грамотно пользоваться интернет-ресурсами

5) Выполнять презентацию с учетом критериев оценки, оформлять пояснительную записку с соблюдением требований к ее оформлению

6) Аргументированно отстаивать свою точку зрения

7) Оценивать и защищать выполненный проект

Где это можно узнать

1) «Музыка от А до Я», М.:1998

2) Я познаю мир. Детская энциклопедия: Музыка. / С.В. Истомин.- М.: ООО Из-во «АСТ», 2003

3) Беличенко С.А.Введение в историю джаза./Музыка в школе, №6, 2007

4) 100 великих музыкантов. Авт.-сост. Д.К. Самин.-М.: Вече, 2003

5) Энциклопедия популярной музыки Кирилла и Мефодия, 2004

6) Коллиер Дж. Л. “Становление джаза. Популярный исторический очерк.” Москва, “Радуга”, 1984 г.

7) Овчинников Е. “История джаза”, выпуск 1, Москва, “Музыка”, 1994 г.

8) Современная энциклопедия. Музыка наших дней. М.: Аванта+, 2002.

Число стилей и направлений огромно, если не бесконечно. Ключевым признаком, по которому произведения можно группировать по стилям, являются единые принципы художественного мышления. Смена одних художественного мышления другими (чередование типов композиций, приемов пространственных построений, особенностей колорита) не случайна. Исторически изменчиво и наше восприятие искусства.

Выстраивая систему стилей в иерархическом порядке, будем придерживаться европоцентристской традиции. Наиболее крупным в истории искусства является понятие эпохи. Для каждой эпохи характерна определенная «картина мира», которая складывается из философских, религиозных, политических идей, научных представлений, психологических особенностей мировосприятия, этических и моральных норм, эстетических критериев жизни, по которой и отличают одну эпоху от другой. Таковы Первобытная эпоха, эпоха Древнего мира, Античность, Средние века, Возрождение, Новое время.

Стили в искусстве не имеют четких границ, они плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает.

В одну и ту же историческую эпоху могут сосуществовать несколько стилей. Например, Классицизм, Академизм и Барокко в XVII столетии, Рококо и Неоклассицизм – в XVIII, Романтизм и Академизм – в XIX. Такие стили как, например, классицизм и барокко называют большими стилями, поскольку они распространяются на все виды искусства: архитектуру, живопись, декоративно-прикладное искусство, литературу, музыку.

Следует различать: художественные стили, направления, течения, школы и особенности индивидуальных стилей отдельных мастеров. В рамках одного стиля может существовать несколько художественных направлений. Художественное направление складывается как из типичных для данной эпохи признаков, так и из своеобразных художественного мышления. Стиль модерн, например, включает ряд направлений рубежа веков: и постимпрессионизм, и символизм, и фовизм и т.д. С другой стороны, понятие символизма, как художественного направления, хорошо разработано в литературе, в то время как в живописи оно очень размыто и объединяет художников, настолько разных стилистически, что часто трактуется лишь как объединяющее их мировоззрение.

Музыка барокко взяла от Ренессанса практику использования полифонии и контрапункта. Однако применялись эти техники иначе. Во времена Ренессанса гармония строилась на том, что в мягком и спокойном движении полифонии второстепенно и как будто случайно появлялись консонансы. В барочной же музыке порядок появления консонансов стал важным: он проявлялся с аккордов, выстраиваемых по иерархической схеме функциональной тональности. Около 1600 года определение, что такое тональность, было в значительной мере неточным, субъективным. К примеру, некоторые видели в кадансах мадригалов некоторое тональное развитие, в то время как на самом деле в ранних монодиях тональность всё же была ещё очень неопределённой. Сказывалось слабое развитие теории равномерно-темперированного строя. Согласно Шерману, впервые лишь в 1533 году итальянец Джованни Мария Ланфранко предложил и ввёл в практику органно-клавирного исполнительства систему равномерной темперации[7]. А широкое распространение строй получил значительно позже. И только в 1722 году появляется «Хорошо темперированный клавир» И. С. Баха (I том). Другое отличие между музыкальной гармонией барокко и Ренессанса заключалось в том, что в раннем периоде смещение тоники происходило чаще по терциям, в то время как в барочном периоде доминировала модуляция по квартам или квинтам (сказалось появление понятия функциональной тональности). К тому же, барочная музыка использовала более протяжённые мелодические линии и более строгий ритм. Основная тема расширялась либо сама, либо с аккомпанемента бассо континуо. Затем она возникала в другом голосе. Позднее главная тема стала выражаться и через бассо континуо, не только с основных голосов. Размывалась иерархия мелодии и аккомпанемента.

Стилистические различия определили переход от ричеркаров, фантазий и канцон Ренессанса к фугам, одной из основных форм музыки барокко. Монтеверди назвал этот новый, свободный стиль seconda pratica (вторая форма), в отличие от prima pratica (первой формы), характеризировавшей мотеты и другие формы хоровой и ансамблевой музыки таких мастеров Ренессанса, как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина[8]. Сам Монтеверди использовал оба стиля; его месса «In illo tempore» написана в старом, а его «Вечерня пресвятой девы» — в новом стиле.

Были и другие, более глубокие различия в стилях барокко и Ренессанса. Барочная музыка стремилась к более высокому уровню эмоциональной наполненности, чем музыка Ренессанса. Сочинения барокко часто описывали какую-то одну, конкретную эмоцию (ликование, печаль, набожность и так далее; см. Теория аффектов). Барочная музыка часто писалась для виртуозных певцов и музыкантов и обычно была значительно более сложна для исполнения, чем музыка Ренессанса, несмотря на то, что детальная запись партий для инструментов была одним из самых главных нововведений периода барокко. Почти обязательным стало использование музыкальных украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации. Такие выразительные приёмы, как notes inégales стали всеобщими; исполнялись большинством музыкантов, часто с большой свободой применения.

Ещё одно важное изменение заключалось в том, что увлечение инструментальной музыкой превосходило увлечение музыкой вокальной. Вокальные пьесы, такие, как мадригалы и арии, на деле чаще не пелись, а исполнялись инструментально. Об этом говорят свидетельства современников, а также количество рукописей инструментальных пьес, число которых превосходило число произведений, представляющих светскую вокальную музыку[9]. Постепенное появление чистого инструментального стиля, отличного от вокальной полифонии XVI века, было одной из важнейших ступеней в переходе от Ренессанса к барокко. До конца XVI века инструментальная музыка была едва отлична от вокальной и состояла в основном из танцевальных мелодий, обработок известных популярных песен и мадригалов (главным образом, для клавишных инструментов и лютни) а также полифонических пьес, которые могли бы быть охарактеризованы как мотеты, канцоны, мадригалы без поэтического текста.

Хотя различные вариационные обработки, токкаты, фантазии и прелюдии для лютни и клавишных инструментов были известны давно, ансамблевая музыка ещё не завоевала себе независимого существования. Однако быстрое развитие светских вокальных композиций в Италии и в других странах Европы явилось новым толчком к созданию камерной музыки для инструментов.

Например, в Англии получило широкое распространение искусство игры на виолах — струнных инструментах разного диапазона и величины. Исполнители на виолах часто присоединялись к вокальной группе, заменяя отсутствующие голоса. Такая практика стала общепринятой, и на многих изданиях появились надписи «Пригодно для голосов или для виол».

Многочисленные вокальные арии и мадригалы исполнялись как инструментальные произведения. Так, например, мадригал «Серебряный лебедь» Орландо Гиббонса в дюжинах собраний обозначен и представлен как инструментальная пьеса[9].

Объяснение: