- Какие методы применяли русские композиторы для создания музыки?

народная музыка — X—XX века, духовная музыка — X—XXI века, академическая музыка — XVIII—XX века[4].наигрыши, припевки и песни, обрядовый фольклор (календарно-земледельческий и семейно-бытовой), эпические жанры (былины, исторические песни), духовные стихи, хороводы и пляски с песнями, лирические

Объяснение:

В клавирной музыке Моцарта отражены черты нового исполнительского стиля, связанного с переходом от клавесина к фортепьяно. Сочинения для клавира, главным образом концерты для фортепьяно с оркестром дают представление об исполнительском искусстве самого Моцарта с присущей ему блестящей виртуозностью и вместе с тем одухотворённостью, поэтичностью, проникновенностью, изяществом. Моцарта называли первым виртуозом своего времени. 

Ясное осознание каждой творческой задачи, стремление решить ее по-своему были свойственны Бетховену с самого начала. По-своему пишет он фортепианные сонаты, и ни одна из тридцати двух не повторяет другую. Его фантазия не всегда могла уложиться в строгую форму сонатного цикла с определенным соотношением обязательных трех частей. Бетховен очень широко раздвинул рамки фортепианной сонаты, расширил круг образов. Иногда сонаты кажутся фортепианным переложением симфоний. 

2) Стиль Моцарта отличается интонационной выразительностью, пластической гибкостью, кантиленностью, богатством, изобретательностью мелодии, взаимопроникновением вокальных и инструментальных начал. Моцарт внёс огромный вклад в развитие сонатной формы и сонатно-симфонического цикла. Моцарту свойственно обострённое чувство тонально-гармонической семантики, выразительных возможностей гармонии (использование минора, хроматизмов, прерванных оборотов и др.) . Фактура произведений Моцарта отличается разнообразием сочетаний гомофонно-гармонического и полифонического склада, форм их синтеза. В области инструментовки классическая уравновешенность составов дополняется поиском различных тембровых комбинаций, персонифицированной трактовкой тембров.

Узнаваемая с первых звуков Увертюра, словно переносит нас в Севилью – город, где и сегодня много цыган (правда, сам Бизе никогда в Испании не был и, видимо, располагал только одним сборником испанских песен из библиотеки Парижской консерватории).  Затем вступает мрачная тема судьбы, предсказывая финал истории Кармен и Хозе. 

Вместе с Кармен в музыку пришла тема роковой любовной страсти, столь мощной и сокрушительной, что отзвуки её можно обнаружить даже в искусстве нашего времени.

Так, уже в увертюре к опере, после жизнерадостных, мажорных мелодий главных тем, обещающих на первый взгляд очень весёлый музыкальный спектакль, внезапно вторгается тема Кармен. Это напряжённая, тревожная, поддерживаемая грозными минорными аккордами.

Смысл данной темы показать неизбежность грядущей трагедии (трагедия – драматическое произведение, изображающее напряжённую борьбу, обычно оканчивающееся гибелью героя). И как бы ни развивался дальше музыкальный сюжет оперы, слушатель уже находится во власти этой темы, соединившей в себе и неизбежность гибельных чувств героев, и предсказание их будущей трагедии.

Важно и то, что тема Кармен - единственная во всей увертюре, отступающая от царящего в ней мажорного лада и построенная на звуках так называемой цыганской гаммы.

Так с самого начала оперы в сознание слушателя входит предчувствие, ожидание каких-то предстоящих главных событий. Увлекательность и живость оперы, необыкновенная красота её музыки усиливают контраст между этим предчувствием и реально происходящими действиями.

В такой двойственности заключён один из смыслов музыкальной гармонии – её передавать события или ситуации противоположного характера.